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Una danza expansiva, que amalgame toda la gama de colores de los cuerpos visibles en el arte escénico del país, y por consiguiente establezca y visibilice metodologías en base al respeto, amor y empatía.

An expansive dance that brings together the entire range of colors of the visible bodies in the country's art scene, and therefore establishes and makes visible methodologies based on respect, love and empathy.

REFLEXIONES COMPARTIDAS: INCLUSION Y PERTENENCIA EN EL CINE DE DANZA.

PENSANDO EL CINE DE DANZA #03

Introducción Gabriela Serani

Edición Gabriela Serani y Mayo Rodríguez Baeza

 

"Para mí, se trata de que las personas tengan voz,

y voces realmente fuertes, y que estén presente y no sean ignoradas.

Esa es la clave para mi, que hayan voces en la sala

y que se les tome en cuenta.

Y es aceptable que sean diferentes

y celebramos las diferencias”

Jeanefer Jean-Charles (Artista y Productor, UK) 

 

 

“[…] la gente nos ve como una especie de monstruos. De esa manera, no socializan con nosotros,

nos tienen miedo, a veces, incluso les disgustamos.

No quieren acercarse a nosotros.

Quieren permanecer en sus grupos.

La pregunta es, ¿Esta diferencia será aceptable para la sociedad?"

Dalibor Šandor (Performer, Serbia)

En el contexto de su obra ‘We Are Not Monsters’

Han tenido que pasar muchos años para que desde la danza comenzaremos a comprender los cuerpos en escena, no únicamente desde su virtuosidad, habilidad o técnica, sino desde lo que estos son, representan, significan o transmiten. Artistas y coreógrafos han ido cuestionando y desafiando nuestra concepción de lo bello, lo imprescindible o lo trascendental, no solo en la danza si no en los cuerpos a través de los cuales se encarna esta. Cuerpos en toda su diversidad traen consigo nuevas maneras de ver y hacer, y con esto la creación de nuevos lenguajes escénicos. 

Sin embargo sigo preguntándome por aquellos cuerpos, que incluso en esta visión más contemporánea de la danza, seguimos excluyendo. Pienso en el término “inclusividad”, el cual surge desde aquellos artistas o trabajos los cuales pretenden rescatar esos cuerpos discapacitados, marginados, segregados, rechazados e ignorados, que incluso la danza del s XXI ha dejado fuera. Esta etiqueta resulta para algunos poco adecuada, ya que al catalogar una danza como inclusiva estaría de cierta manera segregándose del resto. Por otro lado hay quienes la usan “esperando que en un futuro no sea necesario” (Neus Canales, Danza Inclusiva), lugar donde me posiciono al usar esta terminología en este texto.

A pesar de que el Cine de Danza se reconoce como un espacio más experimental y liberal, tanto en la historia del cine como de la danza que la precede, no es ajena a los problemas y desafíos en esta lucha por la inclusividad. A partir de esto me surge la pregunta, ¿Qué modalidades de trabajar, moverse, colaborar, crear, investigar visionamos en el campo del Cine de Danza para construir un futuro cada vez más inclusivo? ¿De qué maneras anhelamos realmente construir experiencias verdaderamente inclusivas y equitativas para artistas y audiencias?

 

Pienso que estas y otras preguntas que nos hacemos respecto a la inclusividad debieran ser formuladas y atendidas desde lugares y personas especialmente diversas; artistas, audiencias,  curadores, directores y coreógrafos en toda su gama de género, edad, raza, etnia o clase. Por lo mismo les dispongo como lectura un conjunto de otros cuatro textos breves, que nos invitan a mirar el Cine de Danza desde la accesibilidad y pertenencia de un festival; la crónica de un viaje al abismo; la experiencia del trabajo con adultos mayores; y el testimonio de un cuerpo con capacidades diversas, que resiste y lucha en la comunidad dancística profesional. 


 

Trascender la accesibilidad

Autora Mayo Rodríguez (Chile)

 

Miradas curiosas sobre bicicletas se acercaron a la puerta abierta en donde estábamos preparando nuestra 4ta edición de festival. Era y fue una edición muy especial, muchas cosas habían cambiado en Chile, muchas cosas comenzaban a resignificarse y un otro contexto nos desafiaba a reconfigurar nuestros planes y lo que habíamos imaginado. 

 

Estas miradas curiosas, eran niñes que se encontraban jugando en sus bicicletas y eran también vecinos del Centro de Cine y Creación (CCC), espacio que fue nuestro espacio y casa bestial en ese inicio de diciembre de 2019. Los invitamos a experimentar la danza inmersiva de PEWMA de Sebastián Gatica e Ignacio Díaz (Valdivia, Chile) al final del patio. Pronto se convirtieron en nuestros invitados, trayendo a sus familias y experimentando atentos, todo el programa de Cine de Danza, para despedirse luego, contentos, sonriendo, diciéndonos que muchas gracias y que la comida había estado muy rica; mientras sus familias nos agradecían. Nuestro programa no había sido pensado para niñas, niños, niñes, sin embargo estas miradas llegaron sorprendiéndonos y mostrándonos algo que no habíamos visto ni percibido hasta ese momento.

 

En esa edición también, pudimos ver dos cortometrajes de danza desde Chile y Finlandia - “Si viajamos nos transformamos” de Felipe Lira y "Hope is a Waking Dream" (La esperanza es un sueño despierto) de Kati Kallio - que nos permitían conectarnos con historias de seres humanos, jóvenes y grandes con diversidades funcionales. 

 

Ambas experiencias, significaron ampliar nuestra mirada y una reflexión profunda en relación a todas las diversidades que somos, y en especial a aquellas diversidades funcionales que de pronto vimos en una pantalla gigante a través del Cine de Danza: ¿Cómo generamos espacios y experiencias que nos permitan ver, conectar, entender y compartir nuestras diversidades y miradas? ¿Cómo generamos espacios cuidadosos, accesibles e inclusivos para audiencias y artistas con diversidad funcional? Y pensando en estos artistas, ¿Cómo prestamos atención y generamos espacios para que realizadorxs, artistas, creativxs, bailarinxs, coreógrafxs, músicxs, equipos de producción, técnicos y todxs quienes crean y están detrás de cortometrajes de danza, piezas de danza, películas y tantas otras manifestaciones creativas y artísticas, sean parte y se sientan parte de los diversos espacios que generamos plataformas, festivales y espacios culturales?  

Aparece entonces el pertenecer como un concepto que encarna una visión que trasciende la accesibilidad y la inclusión; poniendo el desafío en crear espacios y plataformas de creación y de experiencia - para audiencias, artistas, realizadorxs y trabajadorxs con diversidades funcionales - en las cuales se sientan parte, en que sientan que pertenecen.

 

Pienso en el tremendo desafío que nos deja una edición tan significativa para Bestias Danzantes, para seguir construyendo espacios y experiencias en que el pertenecer sea la clave y la mirada, y el Cine de Danza el centro y la posibilidad para lograrlo. 

 

Pienso en el desafío de promover y compartir las miradas, reflexiones y creaciones de artistas, realizadorxs, coreógrafxs, bailarines y equipos con diversidades funcionales en nuestra pantalla, en que sus miradas y experiencias sean parte de los espacios de programación, así como parte de los equipos de jurados, y de creación de nuestras experiencias.

 

Pienso también en las audiencias con diversidades funcionales y cómo alcanzarlxs, cómo invitarlxs, cómo permitir que sean parte de una experiencia en torno al Cine de Danza y todo lo que eso implica para plataformas, centros culturales y festivales en Chile y sus diversos territorios, y el necesario compromiso de las instituciones públicas,  para el avance en políticas públicas y el apoyo para avanzar en esta dirección.

 

Pienso en la búsqueda de mantenernos abiertos como seres humanos, espacios, plataformas y festivales; permitiéndonos que otras perspectivas, miradas y experiencias nos amplíen y nos ayuden a mantener una mirada diversa, cuidadosa y respetuosa desde lo que cada uno realiza y crea.

 

Pienso en este tremendo desafío: el desafío de compartir las perspectivas de sus mundos y crear una experiencia de pertenencia en torno al Cine de Danza y a nuestras diversidades.

Viaje al Abismo

Autor Felipe Lira (Chile)

 

Rememorando todo el proceso de la realización de "Si viajamos nos transformamos", podría decir que, en ese momento deseaba crear un acto alquímico, generando la interrelación de quienes habitan esta micro rosada con el otro, aunque fuimos más una gota de aceite navegando en la ciudad. Aun así, había que escapar del escepticismo, donde la escasa información que manejamos y en la cual nos situamos, crea un inmenso prejuicio que, el solo hecho de intentar o pensar el tener que acceder a un acto inclusivo, lleva a un agotamiento. 

Poniendo en juego una visión de libertad del otro en tu ser, que se refleja en el tempo emotivo que tiene la imagen y en la opacidad de los rostros que aparecen en ella, la pregunta que surgió en ese momento, se mantiene hoy: ¿A qué riesgo nos enfrentamos al no dejar circular libremente al otro? ¿Te decepcionan?

Luego temí quedarme solo en una línea, observando el saludo abismal, pero sin pertenecer. El acto inclusivo no se podía quedar solo en un segmento inclusivo. Quizás tampoco pertenecemos al otro lado del abismo, esa sensación dislocaba mi pensamiento. Y probablemente es grotesco de mi parte el querer que suceda esta alquimia llamada inclusión. 

Utilizando el gesto de la danza, como técnica indicada para la convergencia de realidades, que nos permitía ahondar directamente en el sentir de cada intérprete, salimos, luego de meses de ensayos, al mundo concreto, usamos sus paisajes, sus rostros. Esto nos daba un retrato real y ese era un punto a tratar, no le pedimos a nadie que desviara la mirada, simplemente pasaba. Hoy cuando revisito me pregunto, si las miradas no se cruzaban antes ¿qué es entonces lo que extrañamos hoy? 

Recuerdo cuando estábamos filmando, una profesora les dice a los jóvenes: ¡ríanse! Y todos inmediatamente dejan brotar sus sonrisas, son así, a flor de piel. A lo cual yo repliqué inmediatamente: ¡no se rían! Suena bruto, y quizás desconcierta, pero no buscaba la risa en este proyecto, a pesar de que creo en el tremendo rol del humor dentro de nuestra humanidad. Pero quería que sus rostros reflejaran otra luz, es casi ir en contra de la propia naturaleza de alguien, pero era un intento de ahondar en otra verdad, en esa verdad que quedó plasmada. 

 

 

Hope is a Waking Dream

Autora Kati Kallio (Finlandia)

Mis motivaciones en las obras de arte comunitarias surgen de la necesidad de comprender a los demás y encontrarme con la gente. Compartir experiencias de vida, y encontrar un objetivo común para la obra de arte, es el corazón de mi trabajo. La colaboración con el artista de danza Elli Isokoski de Myrskyryhmä ha jugado un papel importante en estas películas. El enfoque sensible y respetuoso de Elli para trabajar con las personas mayores ha sentado las bases en las que se basan estas películas.

 

El cine funciona bien como herramienta para el arte inclusivo. Se puede invitar a los participantes a participar en diferentes etapas del proyecto cinematográfico. A través de la película, los participantes pueden volver fácilmente al proyecto y recordar lo que el proceso despertó en ellos. El cine tiene el potencial de llegar a grandes audiencias y difundir las voces de los participantes. Hace visibles a las personas mayores en las instituciones, así como a los entusiastas de la danza de todos los orígenes.

 

Siempre he disfrutado de la compañía de personas mayores. Siento que sus experiencias de vida enriquecen la mía. También le ha dado a mis películas de danza una nueva perspectiva fascinante, ya que las personas involucradas en la escritura de guiones y la coreografía a menudo aportan elementos sorprendentes al proceso y las películas se vuelven ricas y únicas, al igual que sus creadores.

 

También creo que las personas en su edad madura deberían tener la posibilidad de expresarse públicamente y ser visibles en nuestra sociedad. Y desearía tener la misma oportunidad cuando tenga su edad.

 

"Hope is a Walking Dream" es la segunda parte de la trilogía de películas realizadas con residentes del centro de servicios integrales de Myllypuro, durante el proyecto "The Dancing Hands" en Helsinki, Finlandia 2018. La película fue creada con Reino Kumlaude, quien también actúa en la película. Fue producido por Myrskyryhmä, un innovador grupo de danza finlandesa que trabaja en el campo del arte participativo e inclusivo. La misión de Myrskyryhmä es promover los derechos culturales de las personas mayores como participantes y audiencias. Myrskyryhmä ha sido un precursor de este innovador trabajo desde 2002 y actualmente se considera uno de los principales expertos en su campo en Finlandia.


 

Cuerpos Versátiles  

Autora Francisca Guerra (Chile)

A partir de la situación sanitaria en Chile, nace el concepto de “Contagio Creativo”, que como hilo conductor, une tres videodanzas: “La fuerza”, “La energía” y “El tiempo” que componen la Residencia Danza+Inclusión, proyecto dirigido por Francisco Medina (Chile) y gestionado en colaboración con el Centro Cultural Gabriela Mistral (Santiago, Chile)

Como intérprete del videodanza “La fuerza”, quisiera destacar el proceso de creación, junto al trabajo del equipo de directores, compositores, cineastas y equipo GAM, ya que gracias a ellos logré responder, o por lo menos esclarecer una pregunta que transitaba constantemente durante mis primeros años de universidad: ¿Existirá un espacio profesional donde me pueda desarrollar como intérprete?. 

La respuesta que logré elaborar, provocó un cambio significativo en el enfoque de la pregunta, pues la idea de  un “espacio-lugar”, se transformó rápidamente, en la idea de “ambiente social”. El equipo de trabajo abordó la experiencia creativa, basándose en una metodología respetuosa, empática, horizontal y amable, siendo esto lo que permitió sin dudas, desenvolverme a través de mis capacidades corporales dentro de la red profesional y contactar con el concepto de “ambiente social”, el cual describiré cómo la atmósfera construida por personas que posibilitan un espacio  laboral óptimo, seguro y amoroso. 

Al recordar el primer llamado a participar en la residencia, en mi memoria surgieron aquellos comentarios que hasta ese momento resonaban como una especie de fantasmas dentro de mi cabeza: “Con tus capacidades es mejor que pienses en relacionarte con la danza desde la historia”, “podrías ser una teórica de la disciplina” o “¿has pensado en estudiar kinesiología o algún tipo de terapia? Una infinidad de opiniones surgían insinuando las pocas posibilidades que tenía de ejercer la danza desde la práctica. Poco a poco experimenté como todos esos comentarios, opiniones e incluso mis fantasmas, fueron desapareciendo a medida que se desarrolló la residencia.

Antes de bailar, nunca me sentí en el terreno de la discapacidad, pero al momento de integrarme al mundo de la danza, la discapacidad aparecía como una imposición abrupta y evidente que aumentaba con el paso del tiempo. Sin embargo, durante la residencia, esta etiqueta no existió en ningún momento dentro del proceso creativo y quisiera destacar la opinión de José Sapiain, intérprete del videodanza “La energía”, quien dijo: “La palabra inclusión no me agrada, porque si hablamos de ella es porque existe la exclusión”. 

Adoptar el término inclusión en danza me parece curioso, ya que siempre he escuchado, por lo menos dentro del ámbito de la danza contemporánea, frases tales como: “todos pueden bailar”, “todos los cuerpos son aptos”, “validamos la particularidad de los cuerpos en danza”, etc., sin embargo, si nos regimos por estas ideas ¿Por qué los cuerpos con capacidades diversas no pueden ser parte de la comunidad dancística profesional? 

El haber sido parte de la residencia, me permite afirmar que las capacidades diversas no son impedimento para desarrollarse en danza, esto se visibiliza en este proyecto, donde la calidad de éste y el desempeño de sus intérpretes, (todos con discapacidades motoras) logramos un resultado eficiente y de un altísimo nivel artístico profesional.

Me siento agradecida por esta experiencia que posibilitó saber de la existencia de personas que se encontraban en mi misma situación, especialmente pude conocer y compartir con mi compañero de dúo, Héctor Medina. Héctor y yo, somos los primeros estudiantes con discapacidad en nuestras respectivas universidades, debido a esta y otras similitudes, alcanzamos una gran afinidad, intercambiando y profundizando en reflexiones en torno al cuerpo, el movimiento, lo humano y tanto más… A pesar de que era la primera vez que trabajaba con una persona con capacidades diversas, la comunicación corporal entre nosotros fluyó de manera orgánica, nunca hubo necesidad de conversar sobre nuestros límites. Todos estos aspectos nos permitieron colaborar y nutrirnos con total confianza durante el proceso.

El resultado final de la residencia se compone de tres cápsulas, (“La Fuerza”, “la Energía” y “El Tiempo”), y cada una cuenta con dos vídeos. El primer vídeo corresponde a testimonios de los intérpretes y el segundo, al vídeodanza como tal. Se puede observar en los testimonios, que no están encerrados en un modelo caritativo, que es con el modelo que se tiende a difundir la discapacidad en nuestro país, sino que está enfocado en revelar un testimonio oral sobre el cuerpo. 

La instancia de grabación fue nueva para mí, no había vivenciado la relación cuerpo-cámara, ni  la coexistencia con un cuerpo que articulara con este objeto en el espacio; sin embargo, nunca me sentí desconectada con el recurso audiovisual, por el contrario, hubo intercambio y comunicación. Pienso en él, como un medio para dejar testimonios sostenidos en el tiempo.

Este proyecto intensificó mis ganas de seguir resistiendo en una danza expansiva,  que amalgame toda la gama de colores de los cuerpos visibles en el arte escénico del país, y por consiguiente establezca y visibilice metodologías en base al respeto, amor y empatía, impulsando a directores, docentes y coreógrafos a trabajar con aquellos cuerpos que han sido excluidos e ignorados del medio artístico profesional. 

Así como “Contagio Creativo”, espero surjan instancias que puedan persistir y expandirse hasta los rincones más remotos de nuestro territorio llamado planeta

SHARED REFLECTIONS; INCLUSION AND BELONGING IN DANCE CINEMA  

THINKING ABOUT DANCE CINEMA #03

Introduction Gabriela Serani

Editor Gabriela Serani and Mayo Rodríguez Baeza

“For me, it's about individuals having voices, 

and really strong voices, and being present and not being ignored.

So that´s the key for me, is that there are voices in the room 

and they are being noticed. 

And it’s acceptable that they are different 

and we celebrate the differences”

Jeanefer Jean-Charles (Creative Artist and Producer, UK) 

 

“[…] people look at us as some kind of monsters.

In that way, they don't socialize with us, they are scared of us, sometimes,

they are even disgusted by us.

They don't want to approach us. They want to remain in their groups.

The question is, Will this difference be acceptable to society?”

Dalibor Šandor (Performer of Per. Art and Director, Serbia)

in the context of his performance ‘We Are Not Monsters’
 

Many years have had to pass so that from dance we will begin to understand bodies on stage, not only from their virtuosity, skill or technique, but from what they are, represent, mean or transmit. Artists and choreographers have been questioning and challenging our conception of "the beautiful", "the essential" or "the transcendental", not only in dance but also in the bodies through which it is embodied. Bodies in all their diversity bring with them new ways of seeing and doing, and with this the creation of new embodied languages.

However, I keep wondering about those bodies, which even in this more contemporary vision of dance, we continue to exclude. I think of the word "inclusivity", which arises from those artists or works which seek to rescue those disabled, marginalized, segregated, rejected and ignored bodies that even the dance of the XXI century has left out. This label is unsuitable for some, since by cataloging a dance as "inclusive" it would be in a certain way segregating itself from the rest. On the other hand, there are those who use it, "hoping that in the future it will not be necessary" (Neus Canales, Inclusive Dance), and this is where I position myself when using this terminology during this writing.

Despite the fact that Dance Cinema is recognized as a more experimental and liberal space, both in the history of cinema and the dance that precedes it, it is not alien to the problems and challenges in this struggle for inclusivity. From this, a question arises; what are the ways of working, moving, collaborating, creating, researching do we envision in the field of Dance Cinema to build an increasingly inclusive future? In what ways do we really hope to build truly inclusive and equitable experiences for artists and audiences? I think that these and other questions we ask ourselves regarding inclusiveness should be formulated and addressed from especially diverse places and people; artists, audiences, curators, directors, and choreographers across their range of gender, age, race, ethnicity, or class.

 

For the same reason, Im selecting a set of four other short texts that invite us to look at Dance Cinema from different perspectives: the accessibility and belonging from the eyes of a festival; the chronicle of a "trip to the abyss"; the experience of working with elderly people; and the testimony of a body with diverse capacities, that resists and fights in the professional dance community.

Transcending Accessibility

Author Mayo Rodríguez (Chile)

 

Curious looks on bicycles approached the open door where we were preparing our 4th edition of the festival. It was a very special edition, many things had changed in Chile, many things were beginning to re-signify and another context challenged us to reconfigure our plans and what we had imagined.

These curious glances were children who were playing on their bicycles and were also neighbors of the Center for Cinema and Creation (CCC), a space that was our space and bestial house at the beginning of December 2019. We invite them to experience an immersive dance of PEWMA by Sebastián Gatica and Ignacio Díaz (Valdivia, Chile) at the end of the courtyard. They soon became our guests, bringing their families and experiencing attentive, the entire Dance Film program, to then say goodbye, happy, smiling, saying thank you very much and that the food had been very tasty; while their families thanked us. Our program had not been thought for girls, boys, children, however these looks came surprising us and showed us something that we had not seen or perceived until that moment.

In that edition as well, we saw two dance short films from Chile and Finland - “Si Viajamos nos transformamos” (If we travel we transform ourselves) by Felipe Lira and "Hope is a Waking Dream" by Kati Kallio - which allowed us to connect with stories of human beings, young and old with functional diversities.

Both experiences meant widening our gaze and a deep reflection in relation to all the diversities we are, and especially those functional diversities that we suddenly saw on a giant screen through Dance Cinema: How do we generate spaces and experiences that allow us to see, connect, understand and share our diversity and gazes? How do we generate caring, accessible and inclusive spaces for audiences and artists with functional diversity? And thinking about these artists, how do we pay attention and create spaces for filmmakers, artists, creatives, dancers, choreographers, musicians, production teams, technicians and all those who create and are behind dance short films, dance pieces, films and so many other creative and artistic manifestations, to be part and feel part of the various spaces that we generate as a platforms, festivals and cultural spaces?

Belonging then appears as a concept that embodies a vision that transcends accessibility and inclusion; putting the challenge in creating spaces and platforms for creation and experience - for audiences, artists, filmmakers and workers with functional diversity - in which they feel part, in which they feel they belong.

I think of the tremendous challenge that such a significant edition leaves us for Bestias Danzantes, to continue building spaces and experiences in which belonging is the key and the look, and the Dance Cinema the center and the possibility to achieve it.

I think of the challenge of promoting and sharing the views, reflections and creations of artists, filmmakers, choreographers, dancers and teams with functional diversity on our screen, in which their views and experiences are part of the programming spaces, as well as part of the jury teams, and part of our experiences creation.

I also think about audiences with functional diversities and how to reach them, how to invite them, how to allow them to be part of an experience around Dance Cinema and all that implies for platforms, cultural centers and festivals in Chile and its various territories, and the necessary commitment of public institutions to advance in public policies and support to move forward in this direction.

I think about the search for keeping ourselves open as human beings, spaces, platforms and festivals; allowing other perspectives, views and experiences to expand us and help us to maintain a diverse, careful and respectful view from what each one does and creates.

I think of this tremendous challenge: the challenge of sharing the perspectives of their worlds and creating an experience of belonging around Dance Cinema and our diversities.

 

Journey to the Abyss

Author Felipe Lira (Chile)

 

Recalling the entire process of the realization of “Si Viajamos Nos Trasnformamos” (If we travel we transform ourselves), I could say that, at that moment I wanted to create an alchemical act, generating the interrelation of those who inhabit this pinkish bus with the other, although we were more a drop of oil sailing in the city. Even so, it was necessary to escape from skepticism, where the little information that we handle and in which we place ourselves, creates an immense prejudice that, the mere fact of trying or thinking about having to access an inclusive act, leads to exhaustion.

By putting into play a vision of freedom of the other in your being, which is reflected in the emotional tempo of the image and in the opacity of the faces in it, the question that arose at that time remains today: What risk do we face by not letting the other circulate freely? Do they disappoint you?

Then I was afraid of being left just in a line, watching the abysmal salute, but not belonging. The inclusive act could not be left just in an inclusive segment. Perhaps we do not belong to the other side of the abyss either, that sensation dislocated my thinking. And it's probably grotesque of me to want this alchemy called inclusion to happen.

Using the gesture of dance, as a technique indicated for the convergence of realities, which allowed us to delve directly into the feelings of each performer, we went out, after months of rehearsals, to the concrete world, we used their landscapes, their faces. This gave us a real portrait and that was a point to be addressed, we did not ask anyone to look away, it just happened. Today when I revisit this experience I wonder, if the eyes did not meet before, what is it then that we miss today?

I remember when we were filming, a teacher said to the young people: laugh! And all of them immediately let their smiles sprout, they are like that, on the surface. To which I immediately replied: don't laugh! It sounds gross, and maybe baffling, but I wasn't looking for laughter in this project, even though I believe in the tremendous role of humor within our humanity. But I wanted their faces to reflect another light, it is almost going against someone's own nature, but it was an attempt to delve into another truth, in that truth that was captured.

 

Hope is a Waking Dream

Autora Kati Kallio (Finlandia)

My motivations in community artworks rise from the need to understand others and to encounter people. Sharing life experiences and finding a common goal for the artwork is the heart of my work. Collaboration with the dance artist Elli Isokoski from Myrskyryhmä has played a significant role in these films. Elli’s sensitive and respectful approach to working with the elderly has laid the foundation on which these films are based.

Film works well as a tool for inclusive art. Participants can be invited to participate in different stages of the film project. Through the film, participants can easily return to the project and remember what the process awakened in them. Film has the potential to reach large audiences and spread the voices of the participants. It makes the elderly in institutions as well as dance enthusiasts of all backgrounds visible.

I have always enjoyed the company of mature people. I feel that their life experiences enrich my own. It has also given my dance films a new fascinating perspective, as people involved in screenwriting and choreography often bring surprising elements to the process and the films become rich and unique – just like their creators are.

I also think that people in their mature age should have the possibility to express themselves publicly and be visible in our society. And I wish that I would have the same opportunity when I'm their age.

"Hope is a Walking Dream" is the 2nd part of the trilogy of films made with residents of Myllypuro comprehensive service center, during “The Dancing Hands” project in Helsinki, Finland 2018. The film was created with Reino Kumlaude, who also performs in the film. It was produced by Myrskyryhmä, an innovative Finnish dance group working in the field of participatory and inclusive art. Myrskyryhmä’s mission is to promote the cultural rights of seniors as participators and audiences. Myrskyryhmä has been a forerunner of this groundbreaking work since 2002 and currently considered one of the leading experts in their field in Finland.

Versatile Bodies 

Author Francisca Guerra (Chile)

From the health situation in Chile, the concept of "Creative Contagion" was born, which as a common thread, unites three video dances: "The force", "The energy" and "The time" that make up the Residence: Dance + Inclusion, project directed by Francisco Medina (Chile) and managed in collaboration with the Gabriela Mistral Cultural Center, GAM (Santiago, Chile)

As a performer of the video dance “La Fuerza”, I would like to highlight the creation process, together with the work of the team of directors, composers, filmmakers and the GAM team, since thanks to them I was able to answer, or at least clarify a question that was constantly on me during my first years of university: Will there be a professional space where I can develop myself as an interpreter?

The answer that I was able to elaborate caused a significant change in the focus of the question, since the idea of ​​a "space-place" was quickly transformed into the idea of ​​a "social environment". The work team approached the creative experience, based on a respectful, empathetic, horizontal and friendly methodology, this being what undoubtedly allowed me to develop through my bodily capacities within the professional network and contact the concept of "social environment ”, which I will describe as the atmosphere built by people who enable an optimal, safe and loving work space.

When remembering the first call to participate in this residency, in my memory those comments arose that until that moment resonated like a kind of ghosts inside my head: "With your abilities it is better that you think about relating yourself to dance from history", "You could be a theorist of the discipline" or "Have you thought about studying kinesiology or some kind of therapy? An infinity of opinions arose insinuating the few possibilities that I had of practicing dance from practice. Little by little I experienced how all those comments, opinions and even my ghosts, were disappearing as the residency developed.

Before dancing, I never felt myself in the field of disability, but when I joined the world of dance, disability appeared as an abrupt and obvious imposition that increased with the passage of time. However, during the residency, this label did not exist at any time in the creative process and I would like to highlight the opinion of José Sapiain, interpreter of the video dance “La Energía”, who said: “I don't like the word inclusion, because if we talk about inclusion it is because there is exclusion ”.

Adopting the term inclusion in dance seems curious to me, since I have always heard, at least within the scope of contemporary dance, phrases such as: "everyone can dance", "all bodies are suitable", "we validate the particularity of the bodies in dance ”, etc., however, if we are governed by these ideas, why can't bodies with diverse capacities be part of the professional dance community?

Having been part of the residency, allows me to affirm that the diverse capacities are not an impediment to develop in dance, this is visible in this project, where the quality of it and the performance of its interpreters, (all with motor disabilities) achieve a efficient result and of a very high professional artistic level.

I am grateful for this experience that made it possible to know about the existence of people who were in my same situation, especially I was able to meet and share with my duo partner, Héctor Medina. Héctor and I, we are the first students with disabilities in our respective universities, due to this and other similarities, we reached a great affinity, exchanging and deepening reflections on the body, movement, the human and so much more ... Despite the fact that It was the first time that I had worked with a person with diverse abilities, the bodily communication between us flowed organically, there was never a need to talk about our limits. All these aspects allowed us to collaborate and nurture ourselves with total confidence during the process.

The final result of the residency is made up of three capsules, (“The force”, “the energy” and “The time”), and each one has two videos. The first video corresponds to the testimonies of the interpreters and the second, to the video dance as such. It can be seen in the testimonies that they are not locked into a charitable model, which is with the model that disability tends to spread in our country, but is focused on revealing an oral testimony about the body.

The filming instance was new for me, I had not experienced the body-camera relationship, nor the coexistence with a body that articulated with this object in space; however, I never felt disconnected with the audiovisual resource, on the contrary, there was exchange and communication. I think of it as a means to leave sustained testimonies over time.

This project intensified my desire to continue resisting in an expansive dance that amalgamates the entire range of colors of the visible bodies in the country's art scene, and consequently establishes and makes visible methodologies based on respect, love and empathy, encouraging directors, teachers and choreographers to work with those bodies that have been excluded and ignored from the professional artistic environment.

As well as "Creative Contagion", I hope there will be instances that can persist and expand to the most remote corners of our territory called planet.

Autores de Pensando el Cine de Danza #03

Authors of Thinking about Dance Cinema #03

Mayo Rodríguez Baeza (Chile) Performer, bailarina e ingeniera ambiental Chilena. Activadora y productora creativa enfocada en la danza, el cruce de disciplinas y la conexión. Programadora de danza, cine de danza y Directora Artística del Festival de Cine de Danza Bestias Danzantes.

Ha desarrollado y colaborado en más de 20 programas especiales de Cine de Danza para bienales, festivales de cine, danza y screen dance; universidades y espacios no convencionales en Alemania, Argentina, Chile, Colombia, Finlandia, Francia, Rumania y Suecia. Ha participado en la creación y producción de varias experiencias y proyectos creativos y de danza en Chile y en el extranjero (como bailarina – performer, productora creativa y programadora)

Felipe Lira (Chile) Artista chileno multidisciplinario que busca en diversas expresiones artísticas seguir su curiosidad y desarrollar sus investigaciones: Bailarín por pasión, actor para descubrir su emocionalidad, payaso por libre delirio (como se declara) y director de cortometrajes de danza.

 

Hace 7 años su investigación se ha centrado en la inclusión, siendo “Si Viajamos nos Transformamos” su primer cortometraje de danza en relación a esta temática y Mención Honrosa en la Categoría Mejor Film Chileno de Bestias Danzantes 4ta Edición.

Kati Kallio (Finlandia) Artista de la danza finlandesa, cineasta, curadora y educadora de cine de danza. Es una de las pioneras del cine de danza en Finlandia y fue directora artística del Festival de Cine de Danza Loikka (2015-2018).

Sus trabajos se han centrado en cortometrajes de danza desde el 2008. Desde entonces, ha realizado 15 cortometrajes de danza que se han proyectado y emitido ampliamente en todo el mundo. Desde 2010, junto con la artista de la danza Elli Isokoski, del grupo de danza Myskyryhmä, Kallio ha creado un método especial de cine participativo inclusivo. En él ha creado cinco cortometrajes en colaboración con personas mayores.

Francisca Guerra (Chile) Estudiante de danza en la Universidad de las Américas (Chile). Participa en el ciclo “Cuerpo inteligencia”, realizado el 2019 en honor a la coreógrafa Chilena Carmen Beuchat, donde presentó el estudio final de su obra “La luna es testigo". Participó en el remontaje de la obra, para el festival de las artes escénicas “Peñiko”, en Villa Grimaldi Monumento Nacional y sitio de memoria (Santiago, Chile).

Producto de cirugías de corrección de columna, tiene un soporte metálico a lo largo de toda su espalda, siendo la única alumna con discapacidad motora en su carrera profesional.

Mayo Rodríguez Baeza (Chile) Chilean performer, dancer and environmental engineer. Creative activator and producer with a focus on dance, cross-disciplinary and connection. Curator on dance, dance cinema and Artistic Director of Bestias Danzantes Dance Film Festival.

She has developed and collaborated in more than 20 special Dance Cinema programs for biennials, film festivals, dance festivals, Screendance festivals, universities and non-conventional spaces in Argentina, Chile, Colombia, Finland, France, Germany, Romania and Sweden, and has participated in the creation and production of several creative and dance experiences and projects in Chile and abroad as well (As a dancer – performer, creative producer and curator)

Felipe Lira (Chile) Chilean multidisciplinary artist who seeks in various artistic expressions to follow his curiosity and develop his research: Dancer by passion, actor to discover his emotionality, clown by free delirium (as he declares himself) and director of dance short films. 

For 7 years his research has focused on inclusion, being "Si Viajamos nos Transformamos" (If we travel we transform ourselves) his first dance short film in relation to this theme and Honorable Mention in the Best Chilean Film Category of Bestias Danzantes 4th Edition.

Kati Kallio (Finland) Finnish dance artist, filmmaker, curator, dance film educator. She is one of the pioneers of dance films in Finland and was an artistic director of Loikka Dance Film Festival (2015-2018).

 

Her artistic works have been focused in dance films since 2008. Since then, she has completed 15 short dance films which have been screened and broadcasts widely around the globe. Since 2010, together with dance artist Elli Isokoski from the dance group Myskyryhmä, Kallio has created a special method for inclusive participatory filmmaking. Where she created five short films in collaboration with senior citizens.

Francisca Guerra (Chile) Dance student at the Universidad de las Américas (Chile). She participates in the program "Cuerpo inteligencia", held in 2019 in honor of the Chilean choreographer Carmen Beuchat, where she presented the final study of her dance work "La luna es testigo". She participated in the remounting of the work, for the festival of performing arts "Peñiko", in Villa Grimaldi, National Monument and memory site (Santiago, Chile)

As a result of spine correction surgeries, she has a metallic support along her back, being the only student with motor disability in her professional career.

​WE ARE NOT MONSTERS (Serbia)

Dirigida por Dalibor Šandor, intérprete y director serbio con discapacidades de aprendizaje, "No somos monstruos" es una pieza que cuestiona la marginación y la discriminación que sufren las personas discapacitadas en la sociedad.

 

Realizada con el apoyo del reconocido coreógrafo francés Xavier Le Roy, el dramaturgo Marcel Bugiel, Per.Art y un equipo de creativos

​WE ARE NOT MONSTERS (Serbia)

Directed by Dalibor Šandor, a Serbian learning disabled performer and director, ‘We Are Not Monsters’ is a performance that challenges the marginalisation and discrimination experienced by disabled people in society.

 

Made with support from renowned French choreographer Xavier Le Roy, dramaturg Marcel Bugiel, Per.Art

Idea. Idea Dalibor Šandor
Creada por. Created by Dalibor Šandor and Saša Asentić, Xavier Le Roy, Scarlet Yu, Alexandre Achour, Olivera Kovačević Crnjanski
En colaboración con. In collaboration with Frosina Dimovska, Dunja Crnjanski and Marcel Bugiel
Interpretada por. Performed by Saša Asentić, Alexandre Achour, Marko Bašica, Snežana Bulatović, Dunja Crnjanski, Frosina Dimovska, Đorđe Hrubenja, Snežana Kolarić, Olivera Kovačević Crnjanski, Aleksandra Marković, Beata Perge, Mihailo Petrović, Marko Rošulov, Xavier Le Roy, Marina Sremački, Jelena Stefanoska, Dalibor Šandor, Natalija Vladisavljević, Anja Vučević

Producción. Production Per.Art and Association Le Kwatt
Colaborador. Partner The Gallery of Matica Srpska

​CONTAGIO CREATIVO (Chile)

Residencia danza + inclusión

Dirigida por Francisco Medina (Dirección General) y Ana José Manríquez (Dirección Coreográfica), Contagio Creativo es el resultado de la primera residencia inclusiva en danza realizada en GAM (Santiago, Chile) y que reunió a un equipo diverso de intérpretes con discapacidades congénitas, visuales y motoras; cineastas, compositores y un equipo creativo y de producción de diversas áreas de GAM. 

La fuerza, con Francisca Guerra y Héctor Medina; La Energía con José Sapiaín; y El Tiempo con Jorge Becker, son las 3 piezas de video danza que configuran Contagio Creativo

CREATIVE CONTAGION (Chile)

dance + inclusion residence

Directed by Francisco Medina (General Direction) and Ana José Manríquez (Choreographic Direction), Contagio Creativo (Creative Contagion) is the result of the first inclusive dance residence held at GAM (Santiago, Chile), which brought together a diverse team of performers with congenital, visual and motor disabilities; filmmakers, composers and a creative and production team from different areas of GAM. 

 

La fuerza (The Strength), with Francisca Guerra and Héctor Medina; La Energía (The Energy) with José Sapiaín; and El Tiempo (The Time) with Jorge Becker, are the 3 video dance pieces that make up Contagio Creativo.

Dirección. Direction Francisco Medina
Dirección Coreográfica. Choreographic Direction Ana José Manríquez

Asistencia de Dirección. Direction Assistant Carla Donoso
Interpretada por. Performed by 
Francisca Guerra, Héctor Medina, Jorge Becker, José Sapiaín

Composición Musical. Musical Composition Ángela Acuña, Esteban Illanes, Kinética

Dirección Cinematográfica. Filmmaking Daniela López Lugo, María Paz González

Producción. Production Paola Díaz (Equipo GAM. GAM Team)

Equipo Audiencias GAM. GAM's Audience Team Juan Pablo Klenner, Ximena Morgado

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Dance Cinema: The Beginning of the Moving Image

CINE DE DANZA: INICIOS DEUN CRUCE ENTRE IMAGEN Y MOVIMIENTO